Un vortice di corpi senza volto si intreccia nello spazio come un fiume di carne pensante. Le figure, uguali e diverse, scorrono l’una dentro l’altra, come se cercassero un confine che non esiste. Le loro teste — cilindri dorati, vuoti come eco di coscienze evaporate — assorbono la luce e la riflettono in un silenzio metallico.

Sul fondo, il mondo si frammenta in tre colori primari — rosso, blu e giallo — come se la realtà fosse esplosa in pure essenze visive. Non c’è su, non c’è giù: solo un turbine di membra sospese, un groviglio che sembra muoversi e respirare, costruendo e distruggendo sé stesso in un ciclo eterno.

È un’umanità liquida, fusa in un’unica creatura fatta di desiderio, paura e vuoto. Ogni figura tiene, afferra, sfiora un’altra, ma nessuna sembra davvero toccarla: è una danza di contatti mancati, un sogno anatomico che si dissolve nel suo stesso movimento verso il sottosuolo.

Le impronte di mani e le stratificazioni rinvenute nella Grotta Paglicci sono tracce tangibili di una presenza umana che si è protratta per generazioni, trasformando una grotta in un luogo che vive attraverso chi lo abita. Così, nella grotta di mani del murale, si riflette l’idea che sono le persone a dare significato ai luoghi, ieri come oggi.

Nel murale troviamo quindi un intreccio di mani che si unisce a formare il perimetro di una grotta, simbolo della casa primordiale e della protezione reciproca. Le braccia, che si estendono e si stratificano l’una sull’altra, evocano i depositi del tempo e la memoria custodita nelle pareti della grotta. Sopra, uno stambecco in salto richiama le incisioni e pitture rupestri del Paleolitico, testimoni del legame e del rapporto sacro con la natura.

Le tonalità ocra e terrose, sono ispirate ai colori della grotta e del paesaggio circostante.

Le pietre si dispongono in un paese come dispongono le genti che lo abitano. La radici della comunità e la sua ramificazione traspaiono nelle forme culturali e urbane, negli usi. A Rignano Garganico per centinaia di migliaia di anni si è accolto, si è data fiducia, si è fatta amicizia, si è condiviso il pasto, si è fatta arte sulla pareti, da prima che il paese fosse paese, da prima che si chiamasse come si chiama oggi, da prima che esistessero le nostre parole.

L’opera cerca di carpire un’istante di quotidianità ancestrale in cui pochi individui si radunano intorno al fuoco. Il bambino rappresenta l’”avvenire”, che si passa di mano in mano fino ad arrivare a noi. Un atto di fiducia verso chi fa parte della stessa comunità, verso chi affonda le radici nella stessa terra, rimanendo tutti e tutte piante spontanee e differenti. L’essere comunità è come costituire un terreno di rapporti su cui far fiorire gli usi e le tipicità. I vegetali, l’Avena, sono allegoria di questi costumi e al contempo ne sono oggetto.

Il nero è il “non colore” del buio, del sottosuolo, della fertilità da cui fioriscono i rapporti. Ci sono sguardi ma non occhi, perché nel gruppo la parte più importante è quello che sta tra gli individui, non i loro volti, ma i gesti.